Rockstar

Wenn Politiker, vor allem die populistischen, von Freiheit sprechen, verschweigen sie gern, wie komplex diese ist. Wünscht jemand, frei von Zwängen zu sein? Oder frei, das zu tun, was ihr oder ihm gefällt? Schon zwischen diesen beiden Fragen besteht rein philosophisch ein großer Unterschied. Und ganz praktisch dürfte unbestritten sein, dass ein Leben in Gemeinschaft, in einem Nationalstaat oder in einer Kleinfamilie immer Grenzen, Beschränkungen, Moral und vielfältigen psychologischen Hemmungen unterliegt: Ein „Alles ist möglich“, wie jüngst im Wahlkampf ausgerufen, ist völliger Quatsch und Augenwischerei.

Doch die Sehnsucht ist da. Nach dem freien Spiel der Kindheit. Nach dem Vergessen von Sorgen, Nöten und der Zeit an sich. Nach Schweben, Genuss und Sinnlichkeit. Und Sie ahnen es schon: Genau hier schafft die Musik Abhilfe – Freiheit für den Moment.

Kunstfreiheit, das ist etwas, worauf sich zumindest alle Demokraten einigen können. In der Kunst ist tatsächlich „alles möglich“. Auch wenn man nach einem Buch, einem Theaterabend oder einem Sonntagskonzert leidenschaftlich darüber streiten mag, welchen Wert das gerade hatte, ist die Kunst, wenn sie loslegt, doch erst einmal völlig frei. Sie darf den Tyrannenmord eines Freiheitskämpfers namens Wilhelm Tell durchspielen. Sie darf ein verstärktes Cello als Rockstar inszenieren. Und – das immer und überall – nach den Sternen beziehungsweise den Planeten greifen.

Schauen wir uns einmal das Cello an, dieses oft tiefsinnig auftretende Instrument, dem im heutigen Konzert unter der Leitung des japanischen Dirigenten Ryusuke Numajiri eine Solorolle zukommt. Schon am Konzertbeginn ist es eindrucksvoll zu erleben. Sie kennen Gioachino Rossinis etwa zwölf Minuten lange Ouvertüre zu Wilhelm Tell vielleicht eher vom rasanten Ende her, von den furiosen und oft aus dem Zusammenhang gerissenen Schlusstakten. Doch die ersten Minuten der Ouvertüre gehören dem Cello. Oder genauer: Sie gehören fünf Celli, von denen eines besonders hervortritt. Ungestört vom Rest des Orchesters spielen sie zart, leise, traumverloren, intim. Eine solche individuelle Stimme ist im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts keineswegs so gewöhnlich wie heute. Doch es passt ja zum Thema: Wilhelm Tell begehrt als Einzelner gegen die Obrigkeit auf. Er erkämpft sich Freiheit, er erhebt, zunächst noch zaghaft verhalten, seine eigene Stimme, so wie das Cello. Heutzutage verfasst mancher mit 75 Jahren seinen ersten Roman; Gioachino Rossini schrieb halb so alt bereits seine letzte Oper: Guillaume Tell. Die Uraufführung des dreistündigen Werks über den Aufstand der Schweizer gegen den tyrannischen Reichsvogt, über Vaterland, Freiheitsstreben und Volkes Stimme, fand vor schon beinahe 200 Jahren in Paris statt. Doch seitdem überzeugt die Ouvertüre, die die Handlung bereits durch einzelne beschreibende Elemente vorwegnimmt.

Auf die zarte Innerlichkeit der Celli folgt ein musikalischer Sturm, gewissermaßen die herausfordernde Außenwelt. Und bevor sich die Ouvertüre Bahn bricht zum bekannten Schlussgalopp, führt Rossini uns noch einmal zurück zu einer sanften und humanen Ruhe: Das Andantino ist eine pastorale Szene auf dem Lande mit Kühen, Schafen, deren Glocken die Triangel imitiert, und einem bezaubernden Solo des Englischhorns, in das die Flöte kunstvoll einstimmt.

Wenn es ein Synonym für effektvolle Klassik gibt, ist es das berühmte Allegro vivace samt Trompetenfanfare und einem echten Welthit: Das trappelnde Thema, das aus der individuellen Stimme des Beginns nun ein energisches Handeln formt, ist in seinem Wiedererkennungspotenzial und seinem mitreißenden Charakter vielleicht nur vergleichbar mit dem Cancan aus Offenbachs Orpheus in der Unterwelt. Unzählige Beispiele aus Filmen und Werbespots zeigen, dass es ein kulturübergreifendes Verständnis für die Sprache der Musik gibt – hier sorgen die schmetternden Tonrepetitionen für ein überbordendes Gefühl von Schnelligkeit und Siegesgewissheit.

Schaut man auf die Musikgeschichte, insbesondere auf die Zeit des 19. Jahrhunderts nach Rossini, fällt auf, dass sich das Violoncello als Soloinstrument in zahlreichen Konzerten, aber auch passagenweise in Symphonien durchaus mit einigen Holzbläsern vergleichen lässt – so oft tritt es als Einzelstimme hervor. In Matthew Hindsons neuem, etwa eine halbe Stunde langen Werk Rock Star wird es sogar elektronisch unterstützt, um die exponierte Stellung (im wahrsten Wortsinne) noch zu verstärken. Gleich in den ersten Takten des ersten Teils Stadium Rock wird klar: Wenn der Australier Benett Tsai den Bogen ansetzt, erzählt sein Instrument tatsächlich von einem Rockhelden; „heroisch“ lautet die Spielanweisung. Und wer sich dadurch an das Cello in Richard Strauss’ Tondichtung Don Quixote erinnert fühlt, in der dieses ja auch einen (gebrochenen) Helden verkörpert, dürfte nicht ganz falsch liegen.

Matthew Hindson, Landsmann von Benett Tsai und allen Göttingern durch seine Position als Composer in Focus aus der GSO-Saison 2024/25 bestens bekannt, ist ja ein bemerkenswert produktiver, vielseitiger und innovativer Vertreter seines Fachs. Stilistische Zugänglichkeit ist wohl sein prägnantestes Markenzeichen: Oft spricht er mit seiner Melange aus Rockigem, Symphonischem und Spielerischem durchaus junge Hörer an. Populäres zeigt genauso seinen Einfluss wie treibende Rhythmen, anspornende Wiederholungen und mitunter kraftvoll-laute Energien des Rock. Und wo finden die größten Rockkonzerte statt? Eben – im Stadion.

Nach diesem geradezu monumentalen Satz überschreibt Hindson den zweiten Teil mit Rock Bottom, was wohl am ehesten mit „Tiefpunkt“ zu übersetzen ist. Auch das ist von Rockstars ja bekannt: der Absturz. Auf gefeierte Auftritte folgen Tiefpunkte, auf den Rausch der Kater. Dementsprechend beginnt das Solocello hier mit einer leisen, sich vortastenden Kadenz, bevor die Streicher und ein wenig Schlagwerk zur Begleitung ansetzen. Nach dem Kraftgeprotze des ersten Satzes zeigt das Cello hier auch technische und sangliche Qualitäten. Der Satz verklingt im Pianissimo.

Doch im Gegensatz etwa zu Mozarts kurzem Leben dauern heutige Starkarrieren ja durchaus viele Jahrzehnte. Und so endet dieses Cellokonzert mit einer „Wiederentdeckung“, wenn nicht gar „Wiedergeburt“. Die Dur-Fanfare zu Beginn des dritten Satzes lässt kaum Zweifel: Der Star ist wieder da! Hindson hat das Blech durchgehend stark besetzt, hier zahlen sich die vier Hörner besonders aus. Das Solocello überlässt dem gesamten Orchester zunächst die Bühne und übernimmt dann den kräftigen Grundgestus. Beinahe wie ein E-Gitarrensolo auf einer Stadionbühne – und technisch sehr anspruchsvoll – kommen weitere Solopassagen daher. Der Schluss ist furios.

Jupiter – das klingt zum Konzertfinale schließlich nach Erhabenheit, Ewigkeit und unermesslicher Größe. Wie der Beiname zu Wolfgang Amadeus Mozarts 41. Symphonie in die Welt kam, ist unklar. Der höchste Gott der Römer hält aber seine schützende Hand über das Werk, das bis heute als Highlight gilt, als Höhepunkt der Klassik vor Beethoven. Die im August 1788 in Wien vollendete Symphonie schließt die Trias von Mozarts letzten, allesamt innerhalb von wenigen Wochen entstandenen Symphonien ab. Welch künstlerische Freiheit sich Mozart hier erarbeitet hat, ist bis heute in jedem Takt hörbar.

1788, in diesem Jahr hatte Mozart seinen Erfolgszenit bereits überschritten. Es ging aufs (zu frühe) Ende zu. Und dennoch ist diese Symphonie geradezu strahlend und voller Lebenskraft. Formal ist sie mit ihren vier Sätzen – der erste schnell und in der Form eines Sonatenhauptsatzes, der zweite langsam, der dritte ein Menuett und der vierte ein Finale, das noch einmal alles Vorherige in den Schatten stellt – das Sinnbild einer klassischen Symphonie.

Drei Themen stehen im Zentrum des Allegro vivace: Eine dominante festliche Figur, eine zarte Kantilene, die etwas im Schatten steht, sowie ein drittes, kraftvolleres in den Bläsern. Was für ein erster Satz! Alles, was Mozart auszeichnet, ist hier versammelt und vereint. Helles und Dunkles, Starkes und Schwaches – die musikalischen Mittel verbrüdern sich zur harmonischen Einheit. Das folgende Andante cantabile trägt seinen „singbaren“ Ausdruck bereits im Titel – ein wundervoller zweiter Satz, der sogar aus Mozarts vielen zeitlosen Andantes noch einmal hervorsticht.

An dritter Stelle hören wir traditionsgemäß ein Menuett – allerdings gestattet sich Mozart eine Veränderung: Das sonst oft ruhige Trio ist bei ihm lebhafter, während der Grundcharakter des Menuetts entgegen der Tradition eher geruhsam bleibt. Vor allem ist es aber das Finale, das den Ruhm der Jupiter-Symphonie begründet. Die Anlage dieses Satzes ist voller spielerischer Leichtigkeit. Geradezu rauschhaft begeben wir uns auf eine Reise der einander übertrumpfenden Steigerungen. Mozart vereint alte und neue Form, indem er den Kontrapunkt des Barock mit seiner eigenen klassischen Tonsprache zusammenführt. Wenn das kein Finale des Finales – der letzten Symphonie aus Mozarts Feder – ist. Pure Freiheit.